Werther, à l'Opéra de Bordeaux : pourquoi faire compliqué…

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A l’Opéra de Bordeaux : un troisième Tristan et Isolde pour le podium !

Trois productions de Tristan et Isolde de Richard Wagner en deux mois. Après Toulouse et Strasbourg, aujourd’hui c’est au tour de Bordeaux d’afficher cette oeuvre, dans une mise en scène des plus abouties. Elle est signée Giuseppe Frigeni. Ces représentations ont lieu à l’Auditorium de Bordeaux dans un espace scénique spécialement aménagée pour l’occasion du sol au plafond.

Avant de parler de cette passionnante prestation bordelaise, je refuse de dire qu’elle est celle des trois productions françaises je préfère car dans aucune de ces trois j’ai été vraiment transporté à 100%. La principalement raison vient d’un élément commun aux trois : l’absence d’une Isolde de notre temps. J’ai entendu et vu trois Isolde au chant et au jeu assez « vieillots ». N’existe t-il plus d’Isolde à l’image d’une Waltraud Meir, d’une Nina Stemme, d’Evelyn Herlitzuis, d’une Janice Baird…sans parler de celles que nous n’oublierons jamais, Hildegard Behrens, Gwyneth Jones…toutes engagées vocalement, aux timbres jeunes, gouteux, puissants, reconnaissables ? Sans oublier pour toutes ces Isolde précitées, un très profond engagement scénique.

Celle de Bordeaux, Alwyn Mellor, à la voix métallique, aux aigus criés, me faisant sursauter chaque fois, m’a empêchée d’apprécier la magie de ce magnifique rôle. Son Tristan, en la personne de Erin Caves, possède le physique et surtout la tessiture, telle que nous nous l’imaginons pour un Tristan. Hélas sa voix est trop faible. Il se retrouve de ce fait, toujours un peu en retrait. Par contre, son 3ème acte est excellent. Il fait face à toutes les embûches de ce terrible acte. Janina Baechle est notre Brangäne, rôle qu’elle chante sur de nombreuses scènes internationales, est sans reproche mais assez conventionnelle. En la personne de Brett Polegato nous avons un très beau Kurwenal. Sa voix possède un relief et de très beaux accents souhaités. Son jeu discret est précis. Dans le roi Marke, Nicolas Gourjal abordait pour la première fois ce rôle tant rêvé de lui. Grace à la volonté du metteur en scène, il a gardé sa jeunesse physique malgré l’âge voulu du rôle. Sans avoir la voix caverneuse que nous attendons et entendons souvent dans ce rôle là, la sienne est puissante, bien projetée, tout en étant charnelle, puissante et colorée reconnaissable parmi toutes. Les seconds rôles tenus par Guillaume Antoine (Melot), Jean-Marc Bonicelet (le pilote) et Simon Bode (le berger). Une mention spéciale pour celui-ci car il assure pendant tout le 3eme acte un complément de rôle muet, du plus grand effet. Il est bien évident que nous devons cette trouvaille à Giuseppe Frigeni qui n’arrête pas de nous faire réfléchir tout au long de l’ouvrage par des éléments minutieux de mise en scène. La liste en est longue et toujours passionnante. Jamais je n’ai vu un Tristan avec autant de niveaux de lectures de l’oeuvre dans la même soirée. Le tout dans un bain de lumières aux changements quasiment permanents, appuyant certains mots ou situation. Chaque scène ou leitmotiv a sa couleur. Ancien assistant de Robert Wilson, il nous offre des déplacements et des gestes dignes de ce maître. Le décor est parfaitement adapté au lieu puisqu’il habite les contours des gradins. L’effet scénique est par moment féérique. Esthétique ou esthétisme ?

Il a souhaité présenter l’oeuvre comme une immense boucle, basée sur les visions d’un mourant au portes immédiates de la mort. En effet dès l’ouverture du premier acte nous voyons Tristan mort sur son lit. A l’arrivée d’Isolde et de Brangäne, il se « réapproprie » la vie, d’ou cette distance permanente voulue par le metteur en scène, avec ses partenaires. Au troisième acte le jeune berger se transforme en espèce de chaman accompagnant Tristan dans le rêve de sa mort, jusqu’à avoir un sursaut spasmodique lorsque Isolde achève son air final. Nous pourrions citer des dizaines d’exemples de détails de cette subtile et intelligente mise en scène et direction d’acteurs. Ayant assisté aux deux premières représentations, il semble que certaines gestuelles ont disparu dans les déplacements de certains, remplacées chez d’autres par des gestes conventionnels de style concours de conservatoire. Dommage !

Je garde bien sûr pour la fin celui qui a obtenu, et à très juste titre, la plus grande ovation. Il s’agit de Paul Daniel à la tête de l’orchestre national de Bordeaux Aquitaine. Quel équilibre entre la fosse, la salle et les chanteurs ! De la haute voltige. A aucun moment la musique a couvert une voix. Ce qui prouve que Wagner n’a pas besoin de se jouer avec excès sonores. Je ne sais pas si c’est le fait que l’orchestre soit placé presque intégralement sous la scène, mais dès que l’on ferme les yeux, les souvenirs acoustiques de la Colline verte remontent. Paul Daniel sait donner à son orchestre des sonorités de miel splendides et des nuances de délicatesse presque inaudibles, mais tellement adaptées à l’oeuvre et à la salle. Du travail de dentelier. Vivement d’autres Wagner !

Jean-Claude Meymerit

PS : au fait, quelle est la production qui va se trouver en n°1 sur le podium national ?  Aucune.

 

A l’Opéra du Rhin de Strasbourg : un Tristan et Isolde pour le podium ?

Comme promis (voir feuillet précédent sur ce même site), je vous amène à Strasbourg pour la deuxième production française du Tristan et Isolde de Richard Wagner. Dans le pronostic que je m’offre entre Toulouse, Strasbourg et Bordeaux, quelle est la production qui va, à mes yeux, être sur le haut du podium. Pour l’instant pas de Strasbourg, dommage ! Les ingrédients étaient pourtant très alléchants.

Je ne sais pas si c’est le comportement du public (voir plus bas) ou la faiblesse de l’ensemble qui m’ont laissé un peu perplexe ou les deux peut être, mais je suis resté toute la soirée assez frustré.

Pourtant, que cette production est belle ! Une rare intelligence de mise en scène. Les décors sont majestueux et d’une efficacité redoutable. Avec une telle mise en scène la clarté littéraire du texte est magnifiée. L’histoire prend un tout autre sens. On arrive presque à tout comprendre sans surtitreur. Dès le premier acte nous sommes saisis par le réalisme du décor. Il représente le pont d’un vieux navire. Les rambardes du bateau se situent en avant scène, ce qui permet aux protagonistes de s’appuyer aux garde-fous et de chanter au bord de la fosse d’orchestre symbolisant l’océan. Superbe vision rarement utilisée. Le deuxième acte est également très efficace. Nous sommes dans la chambre à coucher d’un pavillon, ouverte sur l’océan à l’image d’une chambre d’hôtel de grand palace. Avec des jeux de murs mobiles et de lumières, l’effet est immédiat. Pour le troisième acte, le réalisme est à son summum. La piaule de Tristan en bordure de mer. Cette misérable masure de bois blanchie par l’air salin est étonnante de beauté réaliste. J’irai jusqu’à dire, il n’y a qu’un pas, que nous sentions tout au long de cet acte l’air vivifiant de la mer. Et si c’était vrai !…Le magicien de cet univers année 40, est le metteur en scène Antony McDonald.

Parlons des protagonistes. Aucun ne m’a ému ou surpris. Dans le rôle de Tristan, Ian Storey m’a semblé assez distant avec un jeu assez restreint. Côté voix, après un premier acte assez terne, l’expression vocale s’améliore significativement au fil des deuxième et troisième actes mais ne séduit toujours pas. Isole est Melanie Diener. Elle est arrivé au bout de l’œuvre sans difficulté. Même si certains accents dans les graves et les aigus sont majestueux je n’ai pas adhéré à toutes ses attaques « voilées ». Au bout d’un moment je n’entends plus que cela et elles me dérangent. Son jeu, comme pour Tristan, est également assez distant. Le metteur en scène y est certainement pour beaucoup. Attila Jun dans le Roi Marke me fait surtout penser à un Hunding ou à un Hagen, plus qu’à un roi aimant et résigné. Malgré une absence de prestance royale, sa voix est somptueuse et nous séduit toujours.J’attendais avec beaucoup d’impatience Michelle Breedt dans Brangäne mais je fus un peu déçu. Son personnage et sa voix manquent un peu de classe surtout dans les belles sonorités graves tant souhaitées pour ce rôle. Dans les duos avec Isolde, les différences de voix n’existent pratiquement pas. Kurwenal en la personne de Raimund Nolte reste pour moi une énigme. Cette douceur de jeu et de voix est-elle voulue par le metteur en scène ou est-elle liée à la personnalité du chanteur ? Cette ambiguïté d’affection scénique et vocale pour son ami Tristan est plausible et apporte de l’existence au personnage. Seulement la voix de ce baryton n’est toutefois pas assez consistante pour ce rôle. Les deux autres personnages sont sans reproches et se fondent intelligemment dans l’œuvre : Gijs Van der Linden (Melot) et Sunggoo Lee (marin et berger).

Reste pour conclure la direction d’Axel Kober à la tête de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg. Déception ? Oui, je n’ai pas retrouvé ces longs accords langoureux et veloutés, ces engagements sonores, ces violences, ces douceurs, ces nuances…je n’ai entendu que du travail très bien soigné et appliqué. Est-ce suffisant pour Wagner ?

Je profite de ces quelques lignes pour remercier vivement ce Chef d’avoir osé interrompre l’ouverture de l’œuvre juste après les célèbres premières mesures et d’avoir recommencé, suite à une sonnerie retentissante de portable. Il est inadmissible que cette personne dans la salle (de surcroît une journaliste d’après mes renseignements) n’ait pas éteint son portable malgré les consignes d’usage. La honte ! Va t’elle écrire dans son article, cet incident ? Il faut dire aussi que les annonces de consignes diffusées au micro sont faites lorsque le public n’est pas encore complètement installé au lieu d’attendre l’extinction partielle ou totale des lumières de la salle comme dans la plupart des salles d’opéras.

La réussite d’un spectacle tient aussi beaucoup sur la composition du public présent. Ce soir, en assistant à cette production, j’évalue une fois de plus les incohérences de la politique nationale imposée aux Opéras nationaux. Pourquoi accepter des classes entières de jeunes à assister à de tels ouvrages durant plus de quatre heures ? Sont-ils préparés à supporter cette attention visuel et musicale relativement lente et longue ? De plus, leurs présences assez remuantes perturbent le reste du public. Le comble survenu ce soir de première, fut la désertion des 3/4 de ces jeunes dès le premier entracte. Puis lors du second entracte désertion pratiquement totale. Quel gâchis ! Tristan et Isolde est-il l’opéra qu’il faille faire découvrir aux jeunes en priorité ? Ce n’est pas avec cette politique que l’opéra retrouvera ses lettres de noblesse auprès d’un nouveau public et les jeunes en particulier. Au contraire. Mesdames et Messieurs les décideurs politiques culturels vous avez tout faux, il n’y a pas d’impact de réussite et ça coûte excessivement cher. D’autres solutions existent, mais encore faut-il les écouter.

Jean-Claude Meymerit

PS : rendez-vous dans quelques jours pour le Tristan et Isolde de Bordeaux

 

 

Pierre Niney, ange ou démon ?

Ce comédien m’a toujours fasciné. Quand je dis toujours, ce n’est tout de même pas très vieux car ce comédien super doué, n’a que 26 ans. Son ascension est vertigineuse. Du théâtre au cinéma le chemin fut rapide. Ses débuts sur de nombreuses planches l’ont rapidement amené sur le plateau théâtral le plus célèbre, celui de la Comédie Française. C’est là où j’ai fait sa connaissance scénique. Aisance scénique, voix super bien projetée à la diction parfaite sans oublier un physique à l’alchimie mêlant fragilité, classe et sauvagerie.

Au cinéma, parmi déjà son long palmarès, comment ne pas oublier son « Yves Saint-Laurent  » et ce soir en avant première à l’UGC de Bordeaux, son « Un Homme idéal » de Yann Gozian. Qui est cet « homme idéal » : un héros ou Pierre Niney ? C’est devant une salle remplie comme un oeuf, avec 90% de jeunes filles bien élevées et assez clonées, qu’il présente ce film et se présente au public. Toutes ces fans avaient envahi les tous premiers rangs alors qu’en temps normal elles  auraient hurler de colère d’y être pour une séance de cinéma.

C’est une fois le film projeté que Pierre Niney  traversa tout seul la salle sous les ovations bien méritées de ses fans en délire. Que je comprends cet enthousiasme ! Ce film tout en émotion, drôlerie et rebondissement, nous charme. Notre comédien pratiquement à l’écran non stop pendant 1h30, nous chavire. Rien que son visage nous suffirait. Beauté animale et fragile à la fois. Même avec ses crimes horribles commis dans le film, on a envie de le protéger. Quel regard ! Il nous parle avec les yeux, tout en nous racontant une autre histoire, rien qu’avec son regard. Comme il le précise lui même, seul le cinéma permet de tels plans et c’est ce qui l’attire. Il dit toutefois qu’il préfère le théâtre (*). Au cinéma, le comédien ne maîtrise pas le produit fini, ni son déroulé au cours du tournage. Au théâtre le comédien peut tout gérer de a à z, il possède en permanence la globalité de l’œuvre. Il peut aller jusqu’à en même modifier certains contours au fil des représentations. Tout ceci Pierre Niney l’explique magnifiquement bien ce soir, seul sur scène, avec humour, gentillesse et énergie. Il sait enflammer son auditoire. Quel magnifique rôle il pourrait jouer pour la valorisation du théâtre. Grâce à une telle aura, que de pièces de théâtre pourraient sortir de leurs ornières et entraîner un large public de jeunes. Le succès d’un spectacle tient souvent sur un nom de talent. Pierre Niney pourrait être celui là. De plus il sait en parler et sait très bien parler. Son discours sur le théâtre est clair et encourageant pour l’avenir. Un jeune qui parle aux jeunes n’est-ce pas là aussi la clé d’une efficace démarche pédagogique culturelle ? Je ne pense pas que ce soit en créant toujours des pièces de collectifs de comédiens inconnus et fortement subventionnés que l’on répond au plus grand nombre en pensant les attirer au théâtre. C’est malheureusement même souvent l’inverse. On a besoin de locomotives artistiques de haut niveau. Notre jeune comédien français en est, aujourd’hui, une preuve vivante.

Jean-Claude Meymerit

(*) ce même 13 mars, jour de ses 26 ans, il déclare officiellement sa démission de la Comédie Française pour se consacrer au cinéma. Bon vent pour le cinéma et dommage pour le théâtre (pour le moment) !

 

 

L’Opérette en voie de disparition : réalité ou mensonge ?

« Quand on veut noyer son chien on dit qu’il a la rage ». C’est exactement ce qui se dit pour l’Opérette (*) : « elle est malade, moribonde, c’est une forme de spectacle d’un autre temps, elle n’attire que les vieux…« . C’est faux ! L’Opérette pourrait rester à la mode si tout le monde en décidait autrement et y mettait les moyens (les directeurs de théâtre, les artistes, les médias…). Ce n’est pas en réservant l’Opérette à une certaine catégorie de personnes que l’on pratique l’ouverture artistique à tous. Cette forme de ghetto organisé est révoltant.

Un directeur de théâtre lyrique (à quelques exceptions près), préfère monter mille fois une Flûte enchantée ou une Traviata qu’une Fille de madame Angot ou une Véronique. Pourquoi ces derniers ouvrages seraient-ils moins « public » que les autres. Il n’y a pas un public pour chacune de ces catégories (Opéra, Opérette). Il s’agit d’un même public. Dans l’absolu bien entendu. Dans la réalité, le système et les dénigrements sont tels que l’on met la catégorie Opérette dans le tiroir du ringardisme et tout est mis en oeuvre pour garder ce genre de spectacle dans sa poussière. Jérôme Deschamps à l’Opéra comique de Paris a bien compris la situation et grâce à lui l’Opérette retrouve petit à petit ses lettres de noblesses.

Le déclic de mon manifeste en faveur de l’Opérette m’est venu d’une manière plutôt bouillonnante ce dimanche après-midi dernier en assistant à la représentation d’un des plus célèbres opéras-comiques « la Fille de madame Angot » de Charles Lecocq. Cette production avait lieu dans une salle populaire de la banlieue Bordelaise « le Pin Galant ». Comme chacun le sait ce lieu ne créait pas de spectacles mais propose des spectacles tout faits, clé en main. En proposant ce spectacle un dimanche après-midi, la direction est sûre de faire le plein avec un public vieillissant ou les cannes ne passent pas inaperçues. Lorsqu’en haut des quelques marches du théâtre je regarde monter péniblement tous ces gens, une personne à côté de moi me balance « on se croirait au festival de cannes« . Même si ce jeu de mots est facile et ultra connu, je n’ai pu m’empêcher d’éclater de rire. Facile certes mais que ça fait du bien !…Aussi, si dans quelques années je vois rire quelqu’un, gorge déployée en haut de ces mêmes marches, me voyant arriver avec une cane, je penserai à ce dimanche là et j’en rirai moi même.

Revenons à nos moutons (ces derniers me font penser à la Mascotte d’Edmond Audran). Il y a quelques années elle fut montée à Paris en grande pompe avec un tapage médiatique exagéré. Cette production était lourdement montée, ennuyeuse, sans âme. Erreur de parcours. Une Opérette doit être montée dans une légèreté de rythme, de mise en scène, de jeu, de décors et costumes…et de diction. L’Opérette doit rester une fresque de plaisir pour l’oreille et la vue. C’est ça la clé de l’Opérette. Contrairement aux idées reçues, tout le monde ne peut pas chanter l’Opérette. Il faut des voix, des personnalités, des chanteurs comédiens.

Ce que j’ai vu et entendu ce dimanche, ne réunissait malheureusement pas tous ces ingrédients. « Mais faute de grives on mange des merles » ! J’avais rarement vu et entendu un souffleur aussi présent. Manque de répétitions ? Avec l’exemple de cet après-midi là, on se rend compte immédiatement que la médiocrité (ou les manques de moyens) dans un spectacle d’Opérette ne pardonnent pas. Où sont les Opérettes montées au Grand Théâtre de Bordeaux du temps de Gérard Boireau ? Distribution de haut vol, chorégraphie pétillante, choeur chantant et jouant, décors et costumes étincelants et bien adaptés à chaque artiste et surtout des mises en scène bien ficelées et finies. En clair des spectacles modernes attirant un très nombreux public des plus variés.

Aujourd’hui : public très vieillissant ???, rareté des productions, et productions non abouties. Demain : public varié, nombreux spectacles d’Opérettes, productions soignées. Pourquoi pas. Rêvons !

(*) entendons par ce mot générique : opéra comique, opéra bouffe, opérette viennoise, opérette féerie etc…

Jean-Claude Meymerit